【フォーマリズムとは？】ビジプリ美術用語辞典

美術におけるフォーマリズムとは？

美術の分野におけるフォーマリズム（ふぉーまりずむ、Formalism、Formalisme）は、作品の意味や内容よりも、構成・色彩・線・形などの「形式（フォルム）」に着目して芸術を評価・理解しようとする立場を指します。とくに20世紀初頭から中葉にかけて、近代美術の分析手法として広く用いられ、美術批評や教育、制作の領域で大きな影響を与えました。

理論の起源と美術史的背景

フォーマリズムの思想は、19世紀末から20世紀初頭にかけて、美術を「形式の構築」として捉える傾向の中で確立されました。とりわけイギリスの美術批評家ロジャー・フライやクライヴ・ベルによる「純粋形式」の概念は重要で、彼らは感情や物語性を排し、形や色の配置自体が鑑賞体験を生み出すと主張しました。

クライヴ・ベルは「有意義な形式（Significant Form）」という概念を提唱し、感情の喚起は構成自体によってなされるとしました。これは印象派やセザンヌの絵画を起点とし、キュビスムや抽象絵画へと連なる潮流を理論的に支えるものでした。

形式重視の特徴と評価基準

フォーマリズムでは、美術作品を評価する際に物語性や象徴性ではなく、構成的要素?例えば、構図、色彩の対比、筆致のリズム、造形のバランス?などに焦点を当てます。これにより、観る者は作品の「見た目そのもの」に集中し、視覚的な快感や形式的美に没入することが可能となります。

この立場は、特定の文化的背景や作家の意図を知ることなく、作品の普遍的価値を見出そうとする点で、モダニズムの理念と親和性が高く、芸術の自律性を強調する論調と結びついています。これにより、作品を言語化しないまま感覚的に受け取る美術鑑賞が推奨されました。

代表的な思想家と運動への影響

20世紀においてフォーマリズムの影響力を強めたのが、アメリカの美術批評家クレメント・グリーンバーグです。彼はジャクソン・ポロックやバーネット・ニューマン、マーク・ロスコらによる抽象表現主義を支持し、平面性や色彩構成の純粋性を高く評価しました。

彼の美術観では、アートは自己言及的であるべきとされ、各ジャンルが自らの特性?絵画ならば平面性、彫刻ならば量塊性?を徹底的に追求することが、芸術の進化とされました。この思想は、ミニマリズムやカラーフィールド・ペインティングにも大きな影響を与えています。

批判と現代における再評価

一方で、1970年代以降のポストモダンの潮流の中で、フォーマリズムは文脈や社会性を軽視しているとして批判を受けました。フェミニズム美術やポリティカル・アート、コンセプチュアル・アートといった表現では、形式ではなく「何を語るか」が重視されるようになり、フォーマリズム中心の評価軸は相対化されていきました。

しかし現在では、形式と内容の両立を志向する表現が増え、フォーマリズムは再びその造形的分析の有効性という観点から再評価されています。特に教育現場では、形式の読み解きは表現力を高める基礎的訓練として重要視されており、美術批評の方法論として根強い影響を保っています。