演劇におけるフィルタリングライティングとは？
舞台・演劇の分野におけるフィルタリングライティング（ふぃるたりんぐらいてぃんぐ、Filtering Lighting、Eclairage filtre）とは、照明器具に色や模様（カラーゲル、ゴボなど）を“フィルター”として装着し、光を通過させることで、舞台上の空間や登場人物に意図的な色彩や陰影、質感を付与する照明手法を指します。美術の分野では、絵画や彫刻の展示に際し、スポットライトにカラーフィルターを用いて作品の肌理や素材感を浮かび上がらせる「フィルタリング照明」がありますが、舞台演出でも同様に、赤いフィルターで緊張感を煽ったり、青いフィルターで幻想的な夜の雰囲気を演出したりすることで、観客の感覚を色彩面から物語世界へ誘導します。フィルタリングライティングは、単なる美術効果ではなく、脚本のテーマや登場人物の心理状態を可視化する〈感情の色彩化〉とも言えます。演出家と照明デザイナーは、シーンごとに最適なフィルターを選定し、照度や角度と組み合わせることで、舞台上に〈色彩の言葉〉を紡ぎ出します。
フィルタリングライティングの歴史と発展
舞台照明におけるフィルタリングのルーツは、19世紀初頭のガス灯劇場で使用された色板に遡ります。当時、劇場では演出家が手製の色ガラスを使い、異なる場面のムードを表現していました。電灯時代が到来すると、金属ハロゲンランプに色ジェルを重ねる技術が生まれ、1920年代の大劇場で本格的に採用されました。
第二次世界大戦後、モダニズム演劇の台頭とともに照明デザインは芸術的役割を強め、ピーター・ブルックら前衛演出家が〈色彩＝感情の可視化〉を提唱し、フィルタリングライティングは演劇の一要素として確立しました。日本では1960～70年代の小劇場運動で、ブルーやアンバーなど単色のフィルターを絞った〈シルエット照明〉が流行し、人間のシルエットを浮かび上がらせる演出がよく用いられました。
技法と演出上の工夫
フィルタリングライティングでは、カラーゲルやゴボ、拡散フィルターを使い分け、照明の色味とエッジのぼかし方を細かく調整します。たとえば、赤のゲルを通して俳優の顔に光を当てると、情熱的・危険なニュアンスを付与できますし、ピンクのゲルを重ねると優しさや夢見心地を表現できます。
演出家は脚本に示されたシーンの〈感情カーブ〉をもとに、照明デザイナーとともにフィルターの色相・彩度・透過率を選びます。リハーサルでは、フィルターごとに舞台上の見え方をテストし、俳優の衣裳やセットの色彩と干渉しないかをチェックします。さらに、フェードイン・フェードアウトやチェイスパターンを組み合わせ、〈色彩のリズム〉を作り出して物語の展開を視覚的に強化します。
また、プロジェクションマッピングとの併用では、映像の色調に合わせたフィルタリングを行い、光と映像が溶け合う〈統合的ビジュアル〉を実現します。
現代演劇における応用事例と今後の展望
近年、LEDパーライトの普及により、従来の色ジェルでは困難だった微細な色調整や瞬時の色変更が可能となりました。小劇場から大劇場まで、フィルタリングライティングは幅広く活用され、ミュージカルやダンス公演でも〈場面転換を色彩で示す〉手法が一般化しています。
さらに、体感型演劇やイマーシブシアターでは、空間全体を包む〈ライトフィルタリング〉を行い、観客が歩くごとに色彩が変化する演出も実験的に取り入れられています。今後はAIによるリアルタイム色彩制御システムや、可変透過フィルターを用いた〈動的フィルタリング〉が登場し、より細やかな感情表現が可能になるでしょう。
まとめ
フィルタリングライティングは、照明器具に色や模様のフィルターを装着し、光の色味と陰影を使って物語のムードや登場人物の心理を可視化する照明手法です。19世紀のガス灯から始まり、電灯時代、LED時代へと進化を遂げ、現代ではAI制御やイマーシブ演出にも応用されつつあります。今後も技術革新とともに、舞台芸術の〈色彩の言葉〉としてさらなる可能性を拓いていくでしょう。
