【オーラルパフォーマンスとは？】ビジプリ舞台・演劇用語辞典

オーラルパフォーマンスの起源と発展

オーラルパフォーマンスの源流は、文字が発明される以前の口承文化にあります。文字によらず、語りによって物語・神話・歴史・知識を伝達していた古代社会において、語り部は記憶と演技を駆使し、聴衆を魅了していました。

たとえば古代ギリシャの吟遊詩人ホメロスや、日本の琵琶法師、語り物芸能（浄瑠璃、講談など）は、まさにその原型です。これらの語り手は、単に情報を伝えるだけでなく、抑揚やリズム、表情や身振りを伴って、語りそのものを一つの舞台表現として完成させていました。

20世紀に入り、舞台芸術がより実験的・抽象的な方向へ進む中で、オーラルパフォーマンスは再評価されます。特に1960年代以降のパフォーマンスアートの潮流では、声・語り・沈黙がパフォーマンスの中心的な構成要素となる作品が登場します。

詩の朗読に演劇性を加えた「ポエトリーパフォーマンス」や、個人の記憶や体験を語る「モノローグシアター」など、声の芸術としての表現が多様に展開されるようになります。

演劇におけるオーラルパフォーマンスの活用

現代演劇において、オーラルパフォーマンスは以下のような場面で重要な役割を果たしています。

• 語りの技法としての使用：登場人物が物語を語る形で進行するナラティブ演劇。
• 演者の身体と言葉の結びつき：動きを伴ったセリフによる感情の強調。
• 複数の声によるコーラス的構成：群像劇や朗読劇における重層的な音声構成。

また、教育演劇や演劇ワークショップでは、声を使って感情やイメージを伝える練習として、オーラルパフォーマンスの手法が取り入れられることも多く、表現力や自己理解を深める手段としても活用されています。

日本では、太宰治や宮沢賢治の作品を用いた朗読劇や、一人芝居における長編独白などがオーラルパフォーマンスの好例です。演出家によっては、舞台上の動きを極限まで排し、「声の存在」だけで空間を構成する演出も見られます。

こうしたスタイルでは、観客の想像力が大きく刺激されるため、声の強度や抑揚が舞台の印象を大きく左右します。

オーラルパフォーマンスの現在的意義

デジタルメディアが発達した現代においても、直接的な声のやりとりは、演劇において独特の臨場感と親密さを生み出します。そのため、オーラルパフォーマンスは以下のような文脈で新たな価値を持ちつつあります。

• オンライン演劇・音声配信との融合：Podcastや音声ドラマの演技における応用。
• 記憶や証言の記録：災害・戦争・ジェンダーの文脈でのドキュメンタリーパフォーマンス。
• マイノリティの語りの可視化：社会的に見えにくい存在の声を届ける手段。

特に近年は、「声＝存在の証」として捉え、個人の経験や物語を舞台上に持ち込む試みが増加しています。その中で、オーラルパフォーマンスは、テキストに依存しない自由な表現形式として、また身体と声のあいだにある「語る」という行為そのものへの問いとして、舞台芸術の深いテーマに関わっています。

また、AI音声や合成ボイスの普及により、「人間が語ること」の意味そのものが問われるようになった現代において、生の声＝身体性の象徴としてのオーラルパフォーマンスの意義が再認識されています。

まとめ

オーラルパフォーマンスとは、言葉を語る行為そのものを芸術的な表現とする舞台技法であり、古代の口承文化から現代のパフォーマンスアートまで、広く受け継がれてきた演劇的手法です。

言葉と身体の関係、声と記憶のつながりをテーマに、観客との関係性をより密接にするこの手法は、今後も演劇・教育・社会活動の多様な文脈で生き続けていくと考えられます。

語ることの力を信じ、その場にいる観客といま・ここで関係を築こうとする表現として、オーラルパフォーマンスは舞台芸術の核心にある「ライブ性」の最も純粋なかたちの一つといえるでしょう。